Salut !

Voici un tuto sur les toutes premières bases à acquérir quand on veut se servir de Photoshop. Cela passe bien entendu par le fait de connaître l’interface et les outils. C’est pourquoi je vous propose ici de passer en revue les outils présents dans la célèbre barre d’outils qu’on trouve généralement sur le côté gauche du logiciel en configuration de base. Ce tuto se déroulera en quatre parties durant lesquelles nous nous intéresseront aux quatre grandes parties de cette fameuse barre.

Ce tuto a été réalisé avec Photoshop CS5 et est applicable à priori à toutes les versions CS.

Cependant, avant d’attaquer la barre en elle-même, je fais un petit aparté sur la signification de la double flèche et la croix de cette barre :

La croix permet simplement de faire disparaître la barre d’outils, les vétérans dans l’utilisation de Photoshop plutôt que de l’éteindre, travaillent en plein écran, mode où elle n’apparaît plus. Il est plutôt rare qu’on veuille s’en débarrasser surtout quand on débute.

Que faire si on a malencontreusement cliquer sur cette croix ?
Rendez-vous dans le menu ‘Fenêtre’ tout en haut, cliquez dessus et cherchez ‘Outils’ (Tout en bas du menu déroulé), cliquez dessus et la précieuse réapparait.

La double flèche vers la gauche permet de basculer entre deux affichages de la barre, simple colonne ou double colonne. Attention toutefois ! La double flèche vers la gauche n’apparaît que lorsque la barre d’outils est détachée du bord du logiciel, elle est alors en mode ‘fenêtre flottante’. Si la barre est ‘scotchée’ sur le bord gauche du logiciel, la double flèche pointe alors vers la droite (Il est à noter que dans ce cas, la croix disparaît) mais en cliquant dessus le résultat est le même, on bascule d’une colonne simple à une double colonne. Bref ! Si vous cliquez sur la double-flèche, que la barre soit scotchée ou non, que la double flèche soit vers la droite ou la gauche, retenez simplement qu’elle permet de basculer entre le mode simple colonne et le mode double colonne. Généralement, une fois que vous aurez choisi un mode, vous le garderez, c’est le choix et le confort de chacun

Partie 1 : Les Outils de Sélection

L’outil Déplacement

L’outil déplacement comme son nom l’indique, sert à déplacer les éléments d’un calque. Son raccourci clavier est V (comme Vroom ? ).

Si nous avons une composition avec deux calques, un pour le fond et un second pour un autre élément, ici le disque noir, nous pouvons le déplacer dans la composition grâce à cet outil. Assurez-vous d’avoir le bon calque sélectionné (ici celui du disque), appelez l’outil déplacement avec [b]V[/b] puis cliquez sur le cercle et en maintenant le clic vous pouvez le déplacer où bon vous semble dans la composition. Attention toutefois, cette opération déplace en bloc TOUS les éléments du calque sélectionné alors n’hésitez pas à multiplier les calques pour dispatcher les éléments de votre composition parmi eux, cela vous permettra d’avoir plus de contrôle sur chacun des éléments de votre composition.

[!] – A noter que vous pouvez arriver au même résultat sans passer par l’outil, avec le raccourci clavier [b]Ctrl + clic[/b]. Vous maintenez la touche Ctrl enfoncée et en cliquant sur votre élément à déplacer celui-ci va docilement suivre votre souris.

Je n’ai pas abordé la barre d’outils dédiée à l’outil Déplacement car cela serait très long à faire, peut-être consacrerai-je un tuto dédié à ça dans le futur.

L’outil Rectangle de Sélection

L’outil Rectangle de sélection permet d’effectuer des sélections rectangulaires. Son raccourci clavier est [b]M[/b] (comme Marquee qui signifie ‘Châpiteau’ en anglais… Moi non plus, je ne vois pas le rapport ).

Cet outil est le premier de la barre à avoir un sous-menu. Les outils ayant ce genre de menu caché ont le coin inférieur droit de leur icône légèrement noirci et vous pouvez déployer leur sous-menu en restant cliqué sur leur icône. Pour le rectangle de sélection, voici ce qu’il cache aux yeux du monde :

Comme vous pouvez le voir, vous avez plusieurs options à disposition. Soyons honnêtes, vous vous servirez plus souvent des deux premières, les deux suivantes étant limitées à des besoins très ciblés.

Outil Rectangle de Sélection :

Cela vous permet d’englober un ou des éléments d’un calque au sein d’une boite afin de sélectionner dans le but d’agir dessus et uniquement sur eux. Cela va par exemple du déplacement de ces éléments sélectionnés au changement de couleur de ceux-ci etc.

Dans l’exemple ci-dessus, les trois disques sont sur le même calque, je souhaite ne déplacer que les deux plus gros. J’ai donc sélectionné les deux disques avec le rectangle de sélection et ensuite grâce à l’outil Déplacement je les ai déplacé vers la droite de la composition.

[!] – Là encore, vous pouvez zapper le fait de passer par l’outil Déplacement en maintenant la touche [b]Ctrl[/b] enfoncée et en déplaçant votre sélection directement en cliquant/déposant celle-ci à l’endroit de votre choix.

[!] – Si vous souhaitez faire une sélection en forme de carré parfait, maintenez la touche [b]Maj[/b] enfoncée et effectuez votre sélection, celle-ci sera contrainte à suivre la forme d’un carré parfait.

Outil Ellipse de Sélection :

Cet outil fonctionne exactement de la même manière que le rectangle de sélection. Ce qui change c’est la forme de celle-ci, au lieu d’avoir un rectangle, vous aurez une ellipse, rien de compliqué.

[!] – Là encore, vous pouvez zapper le fait de passer par l’outil Déplacement en maintenant la touche [b]Ctrl[/b] enfoncée et en déplaçant votre sélection directement en cliquant/déposant celle-ci à l’endroit de votre choix.

[!] – Si vous souhaitez faire une sélection en forme de cercle parfait, maintenez la touche [b]Maj[/b] enfoncée et effectuez votre sélection, celle-ci sera contrainte à suivre la forme d’un cercle parfait.

Outil Rectangle de Sélection 1 rangée/1 colonne :

Je ne m’étendrai pas beaucoup sur ces deux derniers outils car d’une part, ils fonctionnent de la même manière que les précédents et d’autre part, ils sont d’un usage plutôt limité. Disons qu’il peuvent servir pour les designers web pour par exemple faire des fonds en dégradé très légers en poids.

Le principe est une sélection contrainte à 1 pixel en hauteur pour le mode 1 rangée et 1 pixel en largeur pour le mode 1 colonne, sachant que l’autre dimension n’est pas limitée dans chacun des modes.

Les options à disposition sur une sélection active

Lorsque vous avez réalisé une sélection à l’aide des outils présentés ci-dessus, vous avez des options à disposition lorsque vous faites un [b]clic droit[/b] avec la souris sur celle-ci.

Désélectionner (D): Dois-je vraiment vous expliquer à quoi sert cette option ?

Intervertir (Maj+Ctrl+I) : Cette option vous permet d’intervertir votre sélection. La sélection de base prend en compte ce que vous avez choisi de sélectionner, jusque là c’est logique. Cette option inverse exactement le processus, elle exclue ce que vous aviez sélectionné et prend en compte ce qui ne l’était pas, simple, non ?

Contour Progressif : Cette option rend votre sélection moins précise avec un seuil de tolérance que vous décidez. Un exemple vous parlera plus que du blabla :

[!] – La tolérance en pixels que vous décidez dans la boîte de dialogue s’étend à l’intérieure et à l’extérieur de la sélection. De fait, si vous décidez de 5 pixels ce sera 5 pixels à l’intérieur et 5 pixels à l’extérieur, donc un total de 10 pixels appliqué au contour progressif.

Améliorer le contour : Cette option permet d’améliorer très finement la qualité de votre sélection au travers de diverses options. Je ne vais pas vous expliquer en détail car cela serait très long et au final, peu de monde utilise ces options plutôt utiles lors de sélections complexes, de plus les méthodes manuelles sont nombreuses et plus précises encore pour arriver à un meilleur résultat que ce que peuvent rendre ces réglages. Disons que maintenant, vous savez que ça existe

Mémoriser la sélection : Cette option se révèle utile lorsque vous avez réalisé une sélection complexe et que vous ne souhaitez pas vous la retaper si vous savez que vous en aurez encore besoin dans le futur. A première vue, cette option est simple, cependant, Photoshop utilise les couches de l’image pour sauvegarder les sélections ou il vous permet de la mémoriser sous forme d’un masque et cela peut déstabiliser voire rebuter le débutant qui ne connaît ni les couches ni les masques. Vous allez voir qu’au final ce n’est pas très compliqué quand on sait ce qu’on fait.

Quand vous demandez à mémoriser la sélection cette fenêtre s’affiche.
Elle est séparée en deux parties, la destination de la sauvegarde de votre sélection et le résultat que vous souhaitez appliquer à cette mémorisation.
Pour la destination, vous pouvez choisir dans quel document ouvert actuellement dans Photoshop vous souhaitez mémoriser la sélection. De base, Photoshop vous propose le document courant, celui dans lequel vous avez effectué la sélection.

Ensuite, vous pouvez choisir dans quelle couche la sauvegarder, dans l’exemple je n’en ai pas encore créé, de fait il me propose par défaut d’en créer une (Nouveau) et me propose en-dessous de donner un nom à cette couche, je l’ai appelée ‘carré’. Si vous déployez le menu déroulant de ‘Couche’, il vous propose de sauvegarder votre sélection grâce à un masque appliqué sur le calque où a été réalisé la sélection. Dans l’éventualité où vous auriez déjà créé une couche précédemment, le menu vous la proposerait comme destination possible de mémorisation de votre sélection.

Dans la partie ‘Résultat’, vous pouvez choisir la manière dont sera effectuée votre mémorisation. Ici comme c’est la première couche que je crée, je n’ai la possibilité que de créer une nouvelle couche.
Si vous aviez plusieurs couches de créées, vous pourriez ajouter la sélection à celle déjà sauvegardée dans la couche choisie dans la partie ‘Destination’, ou alors la soustraire à celle-ci. Ou alors enfin, ne sauvegarder que l’intersection de la sélection actuelle avec la sélection précédemment sauvegardée au sein d’une couche.

[!] – Je suis conscient que ça peut paraître un peu complexe expliqué comme ça, mais essayez vous-même les différentes options et vous verrez qu’au final c’est relativement simple à appréhender.

Convertir en tracé : Cette option vous permet de convertir la sélection en tracé vectoriel éditable avec l’outil ‘Plume’ (P) et ainsi pouvoir modifier cette sélection très précisément.

La tolérance permet d’agir sur la précision de la conversion, plus celle-ci est petite, plus la conversion sera fine. Donc, à quoi ça sert concrètement ? Eh bien nous pouvons ainsi modifier la forme de la sélection comme bon nous semble grâce à la plume et ses courbes de Béziers. Je ne vais pas m’étendre sur le sujet pour le moment, j’y reviendrai avec force de détails lorsque nous aborderons l’outil Plume.

Calque par copier/par couper

Par copier : Cette option vous permet de créer un calque en y clonant le contenu de votre sélection.
Par couper : Vous permet de cloner le contenu de votre sélection dans un nouveau calque ET de supprimer ce contenu dans le calque d’origine.

Remplir : Appelle la fenêtre ‘Remplir’ qui vous permet de remplir votre sélection de couleur ou avec un motif que vous sélectionnerez dans la banque de motifs proposée par Photoshop de base ou de motifs que vous aurez préalablement créés. Je ne développe pas plus car cela ne me semble pas compliqué à appréhender.

Contour : Cette option vous permet d’appliquer un contour à votre sélection. Alors oui, pour ceux qui connaissent il est possible de le faire avec les options des calques mais ici ça donne une possibilité que ne procure pas les filtres des calques, vous allez voir. Donc on applique un contour à la sélection et cette fenêtre apparaît :

Rien de bien compliqué :

On vous propose de choisir l’épaisseur du contour, sa couleur.
Ensuite sa position, à l’intérieur, au centre ou à l’extérieur de la sélection.
Et enfin, les propriétés de fusion que l’on retrouve un peu partout dans Photoshop : Le mode de fusion et l’opacité générale de ce contour.

[!] – L’intérêt de faire un contour avec les options de sélection est que celui-ci est totalement indépendant de l’élément auquel on applique ce contour pour peu que l’élément soit sur un calque et le contour de sélection sur un autre. C’est particulièrement utile pour tracer des figures géométriques telles qu’un carré ou un cercle car il n’y a pas d’outil spécifiquement dédié à ce genre de chose dans Photoshop.

C’est tout pour les options de sélection, les options ‘Filtre précédent’ et ‘Atténuer’ sont anecdotiques, là encore, elles peuvent être utile dans des conditions bien particulières, inutile de vous embrouiller avec ça pour le moment.

La Barre d’Outils de l’Outil Sélection

Il reste une dernière chose à voir pour l’outil Rectangle de Sélection (M), il s’agit de la barre d’outils se situant en dessous du menu général de Photoshop, celle-ci change en fonction des différents outils sélectionnés. Voici à quoi celle de la sélection ressemble :

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1. Il s’agit des préréglages courants utilisés. Si vous en faites des personnalisés, vous pouvez les sauvegarder et les rappeler ultérieurement ici.

2. Il s’agit du mode de sélection. Comment va réagir l’outil en fonction de certains paramètres.
- Mode nouvelle sélection : L’outil fera une sélection et si vous souhaitez en faire une seconde, la première sera annulée au profit de la seconde.
- Mode ajouter à la sélection : L’outil ne supprimera pas la première sélection et ajoutera vos futures sélections à celles déjà réalisées.
- Mode soustraire à la sélection : L’outil réduira la sélection active selon la sélection courante que vous ferez.
- Mode intersection de sélection : L’outil ne gardera en sélection active que la partie qui appartient à la première et à la seconde sélection.

3. Vous pouvez décider directement d’un contour progressif qui sera appliqué à la sélection que vous ferez. Cela fonctionne selon le même principe qu’expliqué plus haut.

4. Style. J’y reviens juste en dessous.

5. Vous pouvez demander à améliorer le contour directement ici plutôt que de faire un clic droit dans la sélection et appeler la fenêtre dédiée.

Styles de Sélection

1. Le style normal est le style de base, vous pouvez faire vos sélections comme bon vous semble, il n’y a pas de contraintes appliquées à la manière dont doit se comporter l’outil.

2. Ici il y a une contrainte relative au rapport de proportions entre la largeur et la hauteur. Pour le coup, peu importe les nombres que vous mettrez dans les champs, Photoshop se focalisera uniquement sur le rapport de proportions qui existe entr’elles. C’est à dire que 1 en largeur et 2 en hauteur donnera le même résultat que 16 et 32, vous obtiendrez une sélection rectangulaire qui sera deux fois plus grande en hauteur qu’en largeur.

3. Ici vous décidez des dimensions de votre sélection, exprimée en pixels pour la largeur et la hauteur.La taille restera fixe basée sur ces dimensions.

L’outil Lasso
L’outil Lasso est un outil qui permet de faire des sélections complexes, là ou l’outil Rectangle de Sélection est trop grossier. Son raccourci clavier est [b]L[/b] comme Lasso. Il a lui aussi des options cachées sous l’icône que l’on découvre en restant cliqué dessus.

Outil Lasso : Cet outil vous permet de faire des sélections ‘à main levée’. C’est à dire qu’il agit comme un crayon en faisant un tracé qui se transforme en sélection quand vous reliez finalement le point d’origine. Il permet de faire des sélections complexes plus ou moins grossières selon votre dextérité à les réaliser

Outil Lasso Polygonal : Cet outil fonctionne un peu comme si vous traciez des traits entre deux points. Il vous permet de tirer des droites de points en points. Il permet de créer des sélections complexes en gardant beaucoup de contrôle. Dès le moment ou vous cliquez il crée un point, ensuite vous tirez la droite du tracé jusqu’à l’endroit qui vous intéresse puis vous cliquez pour faire un autre point, etc. Lorsque vous retournez cliquer sur le point d’origine, le tracé se transforme en sélection.

[!] – La barre d’outils du Lasso et du Lasso Polygonal est la même que celle du Rectangle de sélection, le style en moins.

Outil Lasso Magnétique : Cet outil est très pratique même s’il demande un peu d’entraînement pour être bien maîtrisé. Photoshop vous assiste pendant la réalisation du tracé de sélection en comparant les contrastes des deux couleurs adjacentes des deux éléments que vous souhaitez séparer par votre sélection. Il pose ainsi les points de son tracé au plus proche de la frontière de ce contraste. C’est très utile pour faire des sélections complexes et précises. Il crée les points automatiquement ce qui vous permet par la suite d’agir dessus pour améliorer la sélection ou corriger les petites erreurs qui peuvent se produire.

La Barre d’Outils du Lasso Magnétique

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Les premières options sont les mêmes que celles que nous avons vu précédemment alors je n’y reviens pas.
- La première option spécifique du lasso magnétique est la largeur de la plume virtuelle, L. Le nombre de pixels entrés ici correspond à la tolérance que va appliquer le lasso magnétique pour analyser le contraste et poser les points du tracé. Plus ce chiffre est petit plus fine est l’analyse mais ! Eh oui ! Mais. Pour être efficace il faut que le contraste entre les deux zones soit élevé, dans le cas contraire il faut privilégier un taille de plume virtuelle un peu plus importante pour obtenir un travail propre.
- La seconde option, Contraste, s’exprime en pourcentage et cela sert à dire à Photoshop quel niveau de contraste il doit utiliser pour plaquer les points du tracés sur la frontières des deux zones concernées. Plus le contraste est fort entre les deux zones moins un pourcentage élevé est nécessaire.
- Enfin, la fréquence de pose de points. Il est utile de monter cette fréquence lorsque la sélection est très complexe.
- La dernière icône, lorsqu’elle est cliquée prend en compte la pression du stylet en relation avec la première option L.

L’Outil Baguette Magique

L’outil Baguette Magique permet de faire des sélections par aplats de couleur et son raccourci clavier est W comme Wand (Baguette). Autant cet outil peut-être pratique autant il peut amener un résultat très très discutable, les noobs l’aiment beaucoup car cela parait simple d’emploi.
Le principe réside dans le fait qu’on effectue la sélection grâce aux tons présent dans l’image, l’outil prend en compte tous les pixels qui sont dans la gamme et à l’intérieur de la tolérance définie. Voyons la barre d’outils de la Baguette Magique :

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On y retrouve les options de base du comportement des outils de sélection à savoir la sélection, l’ajout, la soustraction, et l’intersection.
- La tolérance sert à indiquer à Photoshop dans quelle mesure il doit sélectionner ou non les pixels dans les mêmes tons que le point d’origine où vous avez cliqué.Plus la tolérance sera élevée plus la gamme de tons sélectionnée sera large et de fait, moins la sélection sera précise.

- Le lissage permet comme son nom l’indique de lisser la forme de la sélection, il ‘réinterprète’ légèrement la sélection réelle pour donner un aspect plus lisse à l’ensemble.
- En cochant l’option ‘Pixels contigus’ vous autorisez Photoshop à prendre en compte tous les pixels qui se touchent et qui sont dans la gamme de couleurs définie.
- L’option ‘Echantillonner tous les calques’ permet sur un calque de faire une sélection par gamme de couleurs incluant tous les calques du fichier.

L’Outil Recadrage

Cet outil permet de redéfinir le cadrage d’une image en prenant en compte l’intégralité des éléments présents dans tous les calques. Son raccourci clavier est [b]C[/b] comme Crop (Tailler, couper).

Recadrage fonctionne comme l’outil Rectangle de Sélection, il vous permet de créer une boîte de sélection à l’intérieur de laquelle se trouve la partie de votre composition qui restera quand vous aurez appuyé sur ‘Entrée’ pour valider le recadrage. Il affiche également les lignes de force de l’image afin de vous aider à garder une composition de l’image intéressante. Vous pouvez agir sur la boîte grâce à des poignets sur les quatre côtés afin d’affiner votre action.

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La barre outil est des plus simples je ne m’y attarderai donc pas. Possibilité de définir précisément la Largeur et hauteur de l’image ainsi que sa définition.

Je n’aborderai pas non plus les options cachées de cet outil, il s’agit des tranches, cela sert essentiellement à faire des découpages dans une image dans le but de créer un site web et ce n’est pas notre but ici, je suis sûr que vous trouverez de bons tutos (en tout cas meilleurs que ce que je pourrai faire) à ce propos sur le net.

L’Outil Pipette

Cet outil permet de récupérer des couleurs au sein d’une image chargée. Son raccourci clavier est I comme Inker (Encreur).

Outil Pipette : Alors c’est très simple, vous aimez bien cette couleur ? Vous voulez réussir des dégradés à la main ? C’est la pipette qu’il vous faut, il vous permet de récupérer des couleurs pour vos vignettes de couleurs situées en bas de la barre d’outils. Bref ! Il vous permet de sélectionner des couleurs d’où sa présence dans la partie ‘Sélection’ de la barre d’outils de Photoshop.

Outil Echantillonneur de Couleurs : C’est la même chose que la pipette, sauf que vous pouvez faire une sélection multiple de couleurs, leurs informations sont stockées dans la fenêtre Informations (Raccourci clavier [b]F8[/b]). Voilà.

Outil Règle : Transforme votre curseur en règle. Vous cliquez au début de ce que vous souhaitez mesurer et vous tirez le curseur à la fin pour avoir la taille, bref ! Comme une règle quoi !

Outil Annotation et Comptage : Ca sert à laisser des annotations à d’autres auteurs quand vous travaillez à plusieurs sur un même fichier ou à compter des trucs dans l’image, bref ! On s’en fout un peu ici, non ? Si jamais cela vous intéressait, on doit pouvoir trouver des infos là-dessus sur la toile.

Voilà, la première partie de ce tuto consacré à la Barre Outil de Photoshop est terminée, j’espère que je vous aurai appris quelques trucs
A bientôt pour la seconde grosse partie consacrée aux outils d’édition.

Je me propose de vous expliquer la manière de réaliser une petite signature ou bannière animée très simplement grâce au défilement d’une texture ‘seamless’ (une texture qui se répète sans coupure), tout ça grâce à Photoshop (Ce doit être aisément adaptable sous The Gimp)

1 – Dans un premier temps ouvrez Photoshop, puis créez un nouveau document (Ctrl N) de 500 par 500. Etant donné qu’on sauvegardera le résultat final en gif, inutile de monter dans les dpi, restez en 72.

2 – Double-cliquez dans la palette des calques sur le claque ‘Arrière-Plan’ et dans la fenêtre qui s’ouvre cliquez simplement sur ok. Cela renomme le calque ‘Arrière-Plan’ en ‘Calque 0′ et le rend éditable.

3 – Bien ! Lançons-nous dans le vif du sujet, à savoir la création de la texture seamless. Nous allons faire simple ici mais sachez que cette méthode peut être employée avec n’importe quelle image source, le résultat final dépendant uniquement de votre habileté à effacer les bords (couture) de la texture. Ici, nous allons employer les filtres ‘Nuages’ et ‘Nuages par différence’.

Choisissez une couleur de premier plan et une couleur d’arrière plan. Assurez vous d’avoir le calque 0 sélectionné, puis rendez-vous dans le menu Filtres > Rendu > Nuages . Si le premier rendu ne vous plaît pas, vous pouvez recommencer aisément en faisant ‘Ctrl F’ autant de fois que vous le souhaitez jusqu’à ce que le résultat vous plaise. Ensuite vous vous rendez à nouveau dans Filtres > Rendu > Nuages par différence et comme précédemment, vous pouvez générer des rendus en faisant ‘Ctrl F’ jusqu’à ce que le résultat vous plaise. Voici ce que j’ai obtenu :

4 – Nous allons maintenant rendre cette texture effectivement seamless. Pour ce faire, rendez-vous dans le menu Filtres > Divers > Translation. La fenêtre suivante apparait :

Comme notre image de base fait 500 x 500 nous allons faire translater l’image de 250 pixel horizontal et vertical. Cochez également l’option ‘Reboucler’. Nous obtenos donc ceci :

Vous constaterez qu’on voit les limites de la texture au milieu et que… Bah c’est moche :p On va remédier à ça

5 – Pour améliorer la texture on va se servir de l’outil tampon de duplication (S). Cet outil fonctionne en deux temps. Dans un premier temps vous sélectionnez l’endroit que vous voulez dupliquer en maintenant la touche Alt enfoncée, et cliquez. Ensuite vous n’appuyez plus sur Alt et  vous ‘peignez l’endroit qui vous intéresse. L’outil Tampon de Duplication va appliquer la zone choisie lors du premier temps à l’endroit que vous peignez. Ca donne ça :

6 – Maintenant que nous avons une texture unifiée dans bord et qui peut donc se multiplier sans coutures, nous allons animer ce fond. Notre document fait 500 de côté, nous allons donc faire translater la texture de 50 pixels sur le droite par exemple (mais vous pouvez la faire ça dans n’importe quel direction). Le calque 0 est notre position de départ, nous n’y touchons donc pas. Dupliquez-le en cliquant-déposant le calque 0 sur l’icône de nouveau calque :

Renommez-le en Calque 1 en cliquant sur son nom (Normalement ‘Calque 0 copie’), c’est juste pour que ça soit plus simple à gérer. Le calque 1 sélectionné, allez dans Filtres > Divers > Translation et cette fois mettez 0 en vertical et +50 en horizontal.

Ensuite, recommencez l’opération en cliquant déposant le calque 1 sur l’icône nouveau calque, renommez-le en calque 2, puis Ctrl F (Ca génère d’office les paramètres de translation que nous avons fait pour le calque 1. Ainsi de suite jusqu’au calque 8

A la fin, on a donc 9 calques (Calque 0 à Calque 8).

7 – Maintenant que nous avons toutes les étapes de notre animation (Nous avons 9 calques et non 10 car le Calque 0 et le calque 9 sont par définition le même car nous avons fait une boucle avec la texture en la translatant de 50 pixels à chaque fois.), nous allons mettre en place l’animation. Pour ce faire allez dans le menu Fenêtres et cliquez sur Animation. Vous devriez avoir ce panneau qui apparait en bas de Photoshop :

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Basculez en mode ‘Frames’, personnellement je trouve le mode ‘Frames’ plus intuitif et plus simple d’emploi.

Mode Frames

Assurez-vous que seul le Calque 0 est visible (le petit oeil à côté de chaque calque), cliquez donc sur l’oeil des calques 1 à 8 pour les rendre invisibles. Sur l’image dans l’outil animation, cliquez sur la petite flèche vers le bas noir à côté de ’10 s’, c’est le temps d’affichage de l’image et optez pour ’0.1′ ou ‘Sans délai’ pour avoir une animation suffisamment fluide. Ensuite clonez ce calque 8 fois grâce à la petite icône nouveau calque de la fenêtre animation, comme ici :

8 – Nous allons animer le fond. L’image 1 de la fenêtre d’animation est bonne, c’est notre point de départ (Dans la fenêtre des calques, seul le calque 0 est visible). Dans l’image 2 de la fenêtre d’animation, on rend invisible le calque 0 dans la fenêtre des calques et on rend le calque 1. Dans l’image 3 on rend invisible le calque 1 et on rend visible le calque 2 etc. jusqu’à l’image 9 ou sera visible le calque 8. Cliquez sur le petit bouton ‘Play’ de la fenêtre d’animation et vous pouvez voir que le fond défile de manière uniforme (D’ailleurs, sélectionnez toujours en lieu et place de ‘une fois’ afin que l’animation tourne en boucle.

On obtient ça (enfin… En plus grand, hein, évidemment, j’ai réduit pour l’exemple) :

9 – Il ne nous reste qu’à mettre quelque chose en premier plan et là…  Votre imagination est votre meilleure arme. La seule chose c’est que le sujet doit être avec un fond transparent pour qu’on voit notre bô fond animé. Cependant, assurez-vous bien que la première image de la fenêtre d’animation est sélectionnée lorsque vous mettrez le nouveau calque avec votre premier plan, ainsi, il sera reporté sur toutes les images de l’animation. Pour ma part, ça donne ça :

Conclusion : Une fois que votre animation est montée, vous pouvez travailler dessus comme n’importe quel dessin ou création, par exemple ici, j’ai opéré un recadrage directement sur l’image dans Photoshop comme s’il s’agissait d’une image tout-à-fait normale. Voilà

Alors comme je vous le disais hier, je me mets à la peinture ! Numérique ! Ouais peinture numérique, c’est mieux, on ne s’en mets pas partout, on ne finit pas avec le mal de crâne à respirer les produits et chose ultime ! En numérique on a les touches magiques Ctrl+Z

Donc voilà, je commence sur quelque chose de simple (enfin… On verra parce que bon… ), je fais une trogne de zombie, je vais essayer de faire une fausse couverture du magazine américain ‘Life‘. Je trouve drôle de faire une Une de Life avec un mort Donc, voilà ! Je gratouille ma tablette depuis près de 3 heures et j’en suis encore on va dire aux prémisce du pré-rendu, en gros je place mes couleurs, quoi !

Voilà où j’en suis pour le moment :

Votre style graphique doit donc servir votre histoire. Vous pouvez raconter toute sorte de choses avec votre dessin mais sachez l’adapter en fonction du fond de votre histoire. Voilà, j’ai pas grand chose d’autre à dire en fait…

Mais en fait, si on obtient ce rendu plus que moyen c’est qu’on n’a pas la bonne technique car l’encrage, tout comme le dessin, c’est un art à part entière. Les encreurs les plus emblématiques sont les auteurs de comics américains car ils maîtrisent bien le noir et blanc. Mais on a aussi de grands encreurs franco-belges comme le fabuleux Franquin, l’énormissime Morris pour ne citer qu’eux.

Alors qu’est-ce qui fait la spécificité d’un bon encrage ?
Avant la balance entre les noirs et les blancs, je pense que c’est la dynamique du trait. Cette dynamique elle passe par les épaisseurs de trait ainsi que les pleins et les déliés. Rien qu’avec ça on peut déjà séparer les différents plans d’une illustration, par exemple tout ce qui sera au premier plan aura des traits plus épais. On peut appuyer sur des formes, induire des textures rien qu’avec des pleins et des déliés bien placés/pensés.
Ensuite on a un outil supplémentaire qui est le noir.Le noir permet d’instaurer un déséquilibre ou un équilibre dans une composition, on appelle ça l’équilibre des masses (Un article sera publié là-dessus). Attention toutefois à bien appréhender cet emploi du noir car bien maîtrisé c’est un outil puissant, mais il aura tôt fait de totalement ruiner votre illustration également.

Comment réaliser un bon encrage dans ce cas ?
C’est simple (!), il faut maîtriser le médium dont vous vous servirez. Ca peut-être (en BD s’entend) le pinceau, la plume, la tablette graphique, le marqueur ou simplement le crayon noir. Ce dernier étant le plus simple à appréhender, les autres vous demanderont un certain entraînement pour être apprivoisé mais d’un autre côté, une fois maîtrisés ils ont un meilleur rendu que le simple crayon noir… Alors… Choisissez votre arme ^^

Voilà, l’intérêt de l’encrage. J’essaierai de poster des articles sur différentes techniques d’encrage, sachant que je ne suis pas un foudre de guerre dans cette discipline j’essaierai de ne pas raconter n’importe quoi ^^ » Enfin, de toutes manières il n’y a pas 36 solutions, encore une fois c’est le travail, l’expérimentation et la maîtrise du médium qui vous aideront à vous améliorer (Et l’observation est intéressante aussi, rendez-vous dans la partie ‘Ressources Extérieures’). Je termine en mettant des exemples de deux grands maîtres de l’encrage, Franquin et Bill Watterson (Les deux utilisant le pinceau et l’encre de chine).

© Marsu Productions par Franquin

On voit parfaitement ici l’évolution du trait de Franquin entre les débuts de Gaston et une caricature du Maître par lui-même quelques années après.

© Bill Waterson/Andrews Mc Meel Editions

Le scénariste de BD lui, doit réfléchir au rythme narratif et aux cadrages qui l’aideront à mettre en place son histoire, le dessinateur n’est qu’un exécutant en quelque sorte. Cela dit, souvent, le scénariste et le dessinateur travaillent de concert pour la mise en images, les deux échangeant leurs points de vue, leurs idées etc. Mais restons du côté de notre scénariste…

Avant toute chose, je tiens à dire que ce que je vais présenter ci-après, c’est MA méthode de travail, non pas qu’elle m’appartienne, mais c’est MA méthode en opposition à LA méthode ultime qui je pense n’existe pas. Quand on est scénariste et dessinateur (amateur) comme moi, on bénéficie d’une plus grande souplesse étant donné qu’on gère tout du début à la fin. Ce que je vais développer en dessous est donc une méthode parmi d’autres qui pourront vous aider à structurer votre travail et vous permettre de travailler avec un dessinateur facilement puisque le scénario sera clair, structuré et efficace en collaboration.

L’idéal selon moi est de travailler sur des feuilles A3 (ou tout au moins sur deux feuilles A4 côte à côte) afin d’avoir d’un côté le découpage de votre page de BD et de l’autre le scénario écrit selon les cases. En gros ça donne ceci :

On est d’accord que vous pouvez vous servir d’un cahier pour établir ce système de travail Donc voilà, le découpage à gauche, le scénario « texte » découpé à droite.

Le découpage

Ah ! Voilà une bonne question ! Qu’est-ce qu’un bon scénario ? Ici, au-delà des techniques académiques je vais parler avec mon ressenti de lecteur avant tout, même si bien sûr il y a des erreurs grossières à ne pas commettre, après tout est relatif, tout dépend des goûts de chacun mais aussi plus largement de la mode actuelle (C’est dingue ce qu’on a vu naître comme saga mettant en scène de jeunes magiciens après l’avènement d’Harry Potter de J.K. Rawlings).

Une bonne histoire, un bon scénario suit plus ou moins toujours le même schéma. Ce schéma a été utilisé par les plus grands écrivains, dramaturges, auteurs de théâtre etc. Au-delà de la qualité d’écriture, de l’intérêt que peut susciter l’histoire ou bien même du sujet de celle-ci, il faut suivre une sorte d’ossature narrative qui de toute manière s’impose à peu près d’elle-même à partir du moment où on veut structurer logiquement son récit.

Structure de l’Histoire

L’Exposition

Le Développement

Le Dénouement

Conclusion

Les Phylactères

A quoi servent-ils

Les bulles font partie intégrante de l’image de la case et doivent être traitées comme un élément graphique à part entière de celle-ci. Ça signifie que les bulles ne doivent pas interférer dans la lecture de l’image au contraire, elles ne peuvent pas être mises n’importe où car elles aussi elles doivent suivre une certaine logique afin d’assurer la cohérence de la narration graphique et de l’enchaînement des dialogues. On arrive donc à quelque chose de très complexe et très subtil à mettre en place car il faut allier la composition de l’image et la composition à part des bulles sans que les deux n’interfèrent entr’elles.
En effet, le personnage qui parle le premier doit avoir sa bulle le plus en haut et à gauche (préférablement) afin que conditionnés que nous sommes par la lecture en Z il n’y ait pas moyen de se fourvoyer dans l’enchaînement du dialogue.

La lecture en Z appliquée aux phylactères

De la même manière, les phylactères vous permettent d’insuffler un rythme au texte « récité » par les personnages, si vous multipliez les bulles cela va donner l’impression que votre personnage est bavard mais attention, Achille Talon, grand bavard en bande dessinée est capable en une bulle d’aligner 20 lignes (plus parfois) de texte ! La différence est subtile. Une bulle pour 20 lignes de texte donnera l’impression d’un bavard qui veut aligner sa science, déverser ses vérités alors que 5 ou 6 bulles de texte court pour un même personnage dans une même case donnera l’impression d’un bavard excité, voire un peu nigaud qui ne maîtrise pas vraiment ce qu’il dit. Vous comprenez maintenant que la disposition même des bulles engendre des aspects de mise en scène qui ne peuvent pas être traduits aisément en dessin directement (en effet, comment exprimer en dessin pur que quelqu’un est bavard ?).

Deux bavards bien différents

Le rythme des Phylactères

L’exemple des deux bavards ci-dessus nous amène directement à une seconde partie importante de l’usage des phylactères. Il ne faut pas multiplier les phylactères dans le seul but de réussir à caser tout le dialogue qu’on avait prévu. Le phylactère représente graphiquement la parole et dans le discours de quelqu’un il y a des pauses, des respirations, notamment quand on change de sujet par exemple. Ici ces respirations pourront être représentées via le passage d’une bulle à l’autre, cela contribue à mettre en place un rythme dans les dialogues, dans le discours d’un personnage et ça permet également de renforcer le caractère du personnage qui parle, un personnage stressé coupera davantage ses phrases qu’un personnage calme et paisible. Bref ! Ca vous permet de réellement pousser le jeu d’acteur de vos personnages et de réellement leur permettre de se poser comme comédiens au sein de la pièce de votre histoire. Un petit exemple pour illustrer ce que je veux dire :

Le texte est plus efficace découpé comme ça dans les phylactères que si je l’avais mis dans une seule bulle, ça permet de maintenir un rythme qui se veut ici sur le ton humoristique. La première bulle le personnage interpelle le lecteur, la seconde sert à enrichir le discours et maintenir un certain intérêt à poursuivre la lecture, la troisième donne le pourquoi du courroux du personnage et enfin, la quatrième permet d’enrichir le rythme, le discours et même le caractère du personnage (En gros, il remarque un truc, mais au final il s’en fout).
Enfin, vous remarquerez que j’ai utilisé les bulles dans ce petit exemple pour palier mon absence de décor, elles remplissent l’espace et équilibrent la case. Attention cependant, je ne suis pas entrain de vous dire que les phylactères vont vous permettre de vous la couler douce et vous éviter de dessiner les décors, n’est-ce-pas ? . Mais ici l’intérêt est dans le texte et le décor ne rentre pas en ligne de compte, donc autant essayer de composer l’image grâce aux bulles.

Rythme des dialogues grâce aux Phylactères

Conclusion

Voilà, ce premier article consacré à l’élément qui représente fondamentalement la BD moderne que sont les phylactères touche à sa fin. Nous avons vu qu’ils sont un élément essentiel de la composition d’une image mais aussi de la mise en scène de votre BD. La dualité de cet élément qui apparait comme un objet graphique au sein même de l’image mais aussi comme un moyen de « rendre » les dialogues au sein du jeu d’acteur des personnages, le rend subtil à magner. Il y a beaucoup de paramètres qui rentrent en compte au moment de composer sa case de BD et la mise en place ainsi que l’enchaînement des bulles est un facteur déterminant dans la lisibilité d’une BD : Les bulles doivent servir l’histoire et les dialogues mais ne doivent pas envahir totalement le dessin des cases… C’est une alchimie complexe à obtenir pour avoir un résultat efficace.

Le Nombre d’Or

Ces histoires de composition prennent naissance dans l’Antiquité avec la découverte du nombre d’or, un rapport mathématique utilisé en géométrie afin de rendre des figure ou des segmentations dissymétrique qui apparaissent agréable à l’oeil humain. Je vous mets ici la définition du nombre d’or mais c’est plus pour information qu’autre chose, votre serviteur n’étant pas un fan absolu de géométrie et autres théorèmes mathématiques :

Le nombre d’or est la proportion, définie initialement en géométrie, comme l’unique rapport entre deux longueurs telles que le rapport de la somme des deux longueurs sur la plus grande soit égal à celui de la plus grande sur la plus petite. Le découpage d’un segment en deux longueurs vérifiant cette propriété est appelé par Euclide découpage en extrême et moyenne raison. Le nombre d’or est maintenant souvent désigné par la lettre φ (phi) en l’honneur de l’architecte Phidias qui l’aurait utilisé pour concevoir le Parthénon. (Définition issue de l’article de Wikipedia consacré au Nombre d’Or)

Bon… Voilà. Ca ne parlera certainement qu’au plus matheux d’entre vous. De cette définition et des calculs qu’elle sous-tend est sorti un rapport qui permet de construire le rectangle d’or et c’est ça qui va nous intéresser ici. Le rectangle d’or est construit sur le ratio de la longueur/largeur qui est de 1 sur 1,618. Pour être clair, un rectangle d’or a un côté qui est 1,618 fois plus grand que l’autre. Un rectangle d’or ressemble donc à ça :

La plupart des formats courants de papier et de photo ont un rapport qui tend vers celui du rectangle d’or. Une feuille A4 a un rapport de 1 par 1,410 environ, celui d’un écran 16/9 est de 1 par 1,777 environ etc. Le rectangle d’or a donc une forme qui est plus agréable à l’oeil que d’autres formes rectangulaires, il y a une sorte d’harmonie intrinsèque à ce rectangle. Je vous l’ai présenté ici en format paysage mais il est bien sûr évident que ce rapport fonctionne de la même manière en format portrait.

Les Lignes de Force

A partir du nombre d’or et par conséquent du rectangle d’or on a inventé des lignes imaginaires qui le découpent en 9 sections égales. Les lignes qui définissent ces sections s’appellent les lignes de force, c’est à dire les lignes le long desquelles les éléments acquièrent une dynamique, une force de présence induite par l’équilibre qui apparait entre l’élément et l’espace du rectangle qui l’entoure.

De ces applications et observations mathématiques a découlé la règle des tiers très utilisée en photo ou en cinéma. En pratique on évite au maximum de centrer le sujet dans l’illustration le rapport entre le sujet principal et ce qui l’entoure étant trop égal on perd en dynamisme. De même, il faut éviter de mettre des éléments importants de l’illustration sur une même ligne de force car la dynamique est alors cassée et l’image devient monotone. Comme un dessin vaut mieux qu’un long discours voici un exemple de ce qu’il faut éviter :

Ici la composition est en croix totalement symétrique dans l’image. Le personnage est pile au milieu du dessin et le fond (sommaire je vous l’accorde bien volontiers ^^) et pile au milieu lui aussi et pour couronner le tout, les élément réellement importants de l’image comme le regard de la jeune fille et sa main en feu ne sont pas mis en valeur le long des lignes de force. Alors bon, c’est une illu sympa certes, mais pas transcendante parce que pauvre en dynamiques.

Voyons comment avec la même illustration on peut améliorer son dynamisme en s’appuyant sur les lignes de forces afin de créer des dissymétries dans l’image et ainsi la rendre plus agréable à regarder.

J’ai donc placé chacun des éléments importants sur une ligne de force, son regard et sa main en feu. Pour le fond, qui est beaucoup moins important comme élément, je ne l’ai pas mis en rapport avec une des lignes de force mais je l’ai décentré dans le dessin afin qu’il génère lui aussi une dissymétrie et qu’il apporte sa pierre à l’édifice de ma composition. De même, j’ai décentré le personnage afin de laisser exister l’espace autour de lui dans le soucis de créer là aussi une dynamique dans le placement des différents éléments. Qu’on soit d’accord néanmoins, je bidouille ici avec une illustration existante et le résultat n’est pas aussi percutant qu’il devrait l’être, tout cela doit être décidé au moment de la création de votre dessin afin d’optimiser le placement de vos différents éléments. Cela étant dit, on s’aperçoit que la seconde version est tout de même plus intéressante et agréable à l’oeil, moins monotone que la première mouture.

Les Points Forts (ou Points Chauds)

Au-delà des lignes de force, il ne vous aura pas échappé qu’il y a des zones particulières dans l’image générées par l’intersection de ces lignes. On les appelle les points forts (ou points chauds) de l’illustration. C’est l’endroit où convergent naturellement les yeux et c’est donc à ces endroits que vous devrez mettre les éléments les plus importants afin d’en faciliter la lecture. C’est pour ça qu’il faut prendre en compte la composition d’une image dès sa conception, car le fait qu’au final un élément sans importance se retrouve sur un point fort parasiterait la lecture de votre illustration et pourrait ainsi induire votre lecteur dans la compréhension de votre dessin.

J’ai ici matérialisé ces points par des cercles oranges mais ils ne définissent pas précisément les zones d’influence des ces intersections. Ces zones d’influences sont plus ou moins grandes en fonction du nombre d’éléments qui sont dans l’illustration. Dans un plan général ces points seront plus petit pour pointer sur un élément en particulier. C’est logique, dans un plan général on mets plus d’éléments et on les fait plus petits, donc, l’influence des points fort sera du même coup plus limitée. A contrario moins il y aura d’éléments et plus ceux-ci seront gros, plus la zone d’influence des points chauds sera importante pour guider l’oeil. Reprenons l’illustration du dessus, vous allez comprendre :

J’y ai placé les points forts, vous pourrez de suite remarquer que son regard est placé sur un point fort et que sa main enflammée sur un autre. Pas tout à fait dessus, je suis d’accord mais comme je l’expliquais juste avant, le sujet étant seul à l’image, l’oeil ne peut pas être distrait par d’autres élément (et puis on est dans un plan rapproché), alors oui, sa main n’est pas pile sur le point, mais sa zone d’influence est plus grande de par la nature de l’illustration et l’oeil saura capter la main qui est légèrement à gauche du dit point. Et puis sur une illustration les schémas de composition ne sont pas décrits sous forme de lignes et points, le tout est d’être logique avec ces petites règles sans avoir à sortir la règle (graduée, elle ) pour calculer si tout est bien en place. L’important c’est l’efficacité.

Conclusion

En Bande Dessinée il ne faut pas hésiter à composer ses cases également, cela en facilite la lecture. Alors bien sûr, toutes les cases ne sont pas des rectangles d’or, il n’empêche que la règle des tiers et tout ce qu’elle induit fonctionne à peu près sur tous les formats étant optimum bien sûr dans un rectangle d’or. J’espère que cet article pourra vous aider et si vous avez des réflexions, des compléments d’information à apporter, n’hésitez pas, je mettrai cet article à jour en conséquence.

Si vous souhaitez des informations complémentaires je peux vous renvoyer vers http://www.absolut-photo.com/cours/composition/compo_4.php qui m’a apporté des éléments pour écrire mon propre article.