L’Extérieur

Vue extérieure de l'entrée. MIYAZAKI lui même a travaillé sur le design du bâtiment.

"Studio Ghibli"

Ghibli encourage ses employés à venir travailler en bicyclette. Il y a plus d’espace de parking pour les bicyclettes que pour les voitures à Ghibli.
Dans le cas d’une catastrophe naturelle, tel qu’un tremblement de terre, les bouches des trappes de visites (en dessous des vélos) sont retirées, et les séparations sont suspendues à des mâts et ce parking peut être transformé en salle de bain de fortune. C’est également une idée de MIYAZAKI. Aprés le tremblement de terre de KOBE, (Des employés du Studio allèrent à KOBE pour prêter main forte)MIYAZAKI réalisa que le manque de salle de bain pouvait être un gros problème dans une telle situation.

Des briques spéciales sont utilisées pour paver le parking, ainsi l'herbe peut pousser dans le trou des briques. Cela permet également de faciliter l'absorption de l'eau de pluie.

Le Rez-de-Chaussée

Derrière Totoro se trouve un cadre où il est écrit « Baka! » (Idiot!). C’est KATO Tokiko, la voix de Gina dans Porco Rosso, qui l’a écrit. « Baka! » c’est bien sûr ce que dit Gina à Porco.

C'est ici que les employés de chez Ghibli prennent le thé ou leur repas. Quelques fois des fêtes y sont organisées. Des dessins sur celulos des films Ghibli sont accrochés au mur.

La lumière du soleil pénètre par une immense fenêtre, et il y a beaucoup de pots de plantes vertes ce qui permet aux employés de se relaxer.

Voici l'escalier en spirale qui mène au premier étage.Au rez-de-chaussée se trouve également le service de la comptabilité ainsi que la direction du studio.

Rez-de-Chaussée & Sous-sol

Concernant l'encrage et la mise en couleur, Ghibli est aujourd'hui totalement informatisé. Il n'est plus utilisé de celulos, les animations sont scannées, encrées, colorées en numérique, et enfin filmées.

Il fut un temps où cette piéce était remplies de pot de peintures et où les encreurs et peintres s'activaient sur des celulos avec leurs pinceaux. Aujourd'hui ils travaillent sur ordinateur en cliquant sur leur souris.

Ghibli vient juste d'aggrandir son departement CG (Computer Graphics/Images de synthèse). Une piéce de stockage de peintures et d'encres a été transformé en atelier de création d'images de synthèse. Puisqu'il n'ya pas de fenêtres dans la pièce, MIYAZAKI a suggéré au departement de creation de peindre un dessin en représentant une sur le mur.

Une station de stockage de 800 Go.

Le departement photographie et CG partagent la même pièce, il n’y a pas de séparation entr’eux. Il y a deux énormes cameras multiplan contrôlées par ordinateur au sous-sol. (L’une peut accueillir une camera numerique à la place de la bonne vieille camera 35mm classique). MIYAZAKI les nomment « Yamato » et « Musashi » (Ce sont les noms de deux navires de guerre durant la seconde guerre mondiale), il en dit aussi « Il ne restera plus longtemps d’aussi grosses camera au cours de ce siècle ».

Premier Etage

Le département d'animation occupe la plupart du premier étage et il y a environ 30 animateurs qui travaillent chez Ghibli.

Voici le bureau de MIYAZAKI Hayao. Bien qu’il ait son propre bureau, MIYAZAKI travaille souvent avec son équipe d’animateurs.
La salle de réunion: D’énormes peluches de Totoro et Jiji y sont exposées. Elle est aussi utilisée comme bibliothèque mais comme des choses ont disparues, elle est aussi appelée « Le Triangle des Bermudes de Ghibli ». La salle est équipée d’un projecteur 16mm et d’autres équipements videos, afin de procéder à la projection et la vérification des rushes d’un projet en cours. Il existe aussi une seconde salle de réunion plus petite.
Il y a également les départements de production et de distribution au premier étage.

Le Second Etage

Les escaliers menant aux second étage.

Le departement artistique occupe la plupart du second étage, et c’est un endroit trés calme et silencieux.
Le département des licences de merchandising est également au second étage. Ghibli co-développe le merchandising des produits dérivés de ses personnages directement avec les fabricants. Beaucoup de produits dérivés sont stockés dans cette pièce.
La pièce japonaise est une salle avec un tatami. Elle est utilisée par l’effectif féminin du studio pour faire une pause. Ainsi etait-il mené ici des séances de chiropraxie deux fois par semaine lors de la phase de production de « Princesse mononoke ».

Sur le toit a été aménagé un jardin dessiné par le fils de MIYAZAKI. Les équipes du studio font un break ici, mais il sert également à économiser l’energie en baissant le cout de l’air conditionné sur le budget. Un coin du jardin est ‘intouchable’, ainsi, l’herbe pousse-t-elle librement.
MIYAZAKI a acheté une réplique d’un fossile de tête de triceratops et l’a placé dans le jardin.

A partir de la fin des années 80 les films du Studio Ghibli connaissent un succés grandissant. A chaque sortie de film le public est de plus en plus nombreux, ainsi Ghibli devient il une figure de premier rang dans l’industrie de l’animation japonaise. Cela ne manque pas d’éveiller si ce n’est des convoitises, tout au moins la curiosité de grosses majors étrangères (Principalement américaines : Warner, 20th Century Fox etc…). Elles sont prêtes à distribuer les films du studio, mais elles veulent pouvoir les « adapter » à leur marché, ce qui signifie le re-montage, le changement des musiques, l’abandon de certaines scenes etc… Mais MIYAZAKI et le président du Studio, SUZUKI Toshio ne l’ont jamais permis.

Pourtant, en Juillet 1996, Tokuma Shoten (à qui appartient le Studio Ghibli) et Buena Vista Home Entertainment (La branche de distribution de Disney) signent un accord qui permettra à Buena Vista de distribuer les films de Ghibli partout dans le monde à l’exception de l’Asie. Cet accord porte sur la publication en video ou au cinema des oeuvres suivantes : Kaze No Tani No Nausicäa, Tenku No Shiro Laputa, Tonari No Totoro, Majo No Takkyûbin, Omohide Poro Poro, Kurenai No Buta, Heisei Tanuki Gassen Pompoko, Mimi wo sumaseba, ainsi qu’à cette époque, le futur Mononoke Hime et les futures productions du studio comme Sen To Chihiro No Kamikakuchi, Hohokekyo Tonari No Yamada-kun.

MIYAZAKI et TAKAHATA ont ils eu un accés de folie? Ont-ils vendu leur âme au diable, eux qui se sont battus pour être libres des contraintes de rentabilité et productivité, et dont la fondation du Studio Ghibli fut le but? Rassurons nous, ce n’est pas le cas. Il faut savoir que dans le contrat est clairement notifié que les ditributeurs ne peuvent en aucun cas toucher à l’oeuvre originale, si ce n’est pour le doublage et pour les contraintes de traduction. Disney n’a aucun droit d’intervention, il n’est là que pour distribuer le film. Tout ceci a provoqué la vive inquiétude des fans d’animation et particulièrement des fans de MIYAZAKI et TAKAHATA à travers le monde, car les américains sont reconnus pour avoir des methodes assez barbares pour l’adaptation d’oeuvres étrangères pour leur marché intérieur. (Et bien sûr quand ils réexportent le produit, c’est leur mouture). Cette inquiétude partagée par MIYAZAKI lui-même etait légitime car au début des années 80 Nausicäa avait été charcuté de la sorte : renommé (La Princesse des étoiles en France), remonté (Au final il manquait prés d’une demi heure du film), et la musique remplacée. MIYAZAKI avait été choqué par ce traitement affligé à son film. D’ailleurs MIYAZAKI n’a signé le contrat que pour renvoyer l’ascenseur à son ami TOKUMA Yasuyoshi qui l’a aidé à démarrer. De ce fait TOKUMA Shoten pouvait prétendre à une place de producteur d’animes au niveau mondial et ainsi accroître ses parts de marché.

Il y a également d’autres facteurs qui ont motivé cette signature de contrat. En 1996 Mononoke Hime est toujours en phase de production, et le film se révéla couter trés cher. Les producteurs se demandaient même si les bénéfices qu’il génèrerait au Japon suffirait à couvrir son coût de production (On verra plus tard combien ils se trompèrent face au triomphe du film). Ils ont alors l’idée de lancer une exploitation internationale, et aussi vendre les droits de distribution des oeuvres antérieures afin de générer de l’argent pour assurer les arrières du studio.

Devant la foule de distributeurs qui se pressait à la porte du studio depuis quelques années, ils n’avaient que l’embarras du choix. Contre toute attente, c’est Disney qui amena les garanties de qualité qui ont satisfait MIYAZAKI, à savoir : Distribuer l’oeuvre traduite et doublée, c’est tout. Disney s’est d’ailleurs engagé à ne pas couper le film, ni à changer la musique.

Pourtant ces conditions n’ont déjà pas été remplies complètement par Disney. En effet dans l’edition en video de Majo No Takkyûbin, on peut voir quelques ‘libertés’ prises par Buena Vista. Il y a une scène dans laquelle Kiki reçoit une lettre écrite en japonais. Cette lettre n’apparaît que rapidement, seulement la graphie n’est pas occidentale. Disney a utilisé des ordinateurs pour modifier l’image et transformer ainsi la graphie pour qu’elle paraisse plus occidentale. Pour les musiques, ils n’ont pas à proprement parler touché à la composition originale. En fait ils ont ajouté des musiques supplémentaires. Parce que pour le spectateur américain moyen, il faut qu’il y ait de la musique sur les scènes où il n’y a pas d’action -mais qui sont déterminantes pour le scénario- car sinon il s’endort. Or dans les films de Miyazaki les instants de silence sont des moments privilégiés qui renforcent la dramatisation de l’action (en l’occurrence Kiki vient de découvrir qu’elle a perdu ses pouvoirs, qu’elle ne peut plus voler. Elle s‘humanise et perd sa nature de sorcière).

Concernant Mononoke Hime, au lieu de préserver le générique original, magnifiquement interprété par un chanteur qui place sa voix très haut, Disney a semblé déjà prêt a augmenter son chiffre d’affaire avec les ventes d’albums en faisant réinterpréter la chanson en anglais (ils pensaient à Madonna à l’origine). En outre, le script a été un peu trop retravaillé et cela peut modifier l’esprit de l’oeuvre de manière assez rédibitoire. D’un autre côté, heureusement, pas une seconde des 2h15 du film n’a été supprimée. Cela a du être dur pour Disney! Car la complexité du scénario et les nombreuses scènes violentes vont totalement à l’encontre de sa politique (Disney à l’époque pensait probablement acheter du Totoro ou du Kiki). Ainsi, après son triomphe sans précedent au Japon, Mononoke Hime s’est fait attendre aux Etats-Unis plus de deux ans, nul sachant comment gérer pareil pétard. Finalement, Disney n’osant pas apposer son sceau, a refilé le bébé à sa filiale « indépendante » Miramax. Faire de l’argent… oui, mais prendre des risques, c’est une autre histoire.

Malgré ce passage difficile, et le succés mitigé de Mononoke Hime aux U.S.A. Disney a quand même investi dans deux des productions suivantes du studio. Et c’est exceptionnel! C’est la première fois que Disney investit dans la production d’oeuvres étrangères. Ainsi entre-t-il à hauteur de 10% dans les budgets de Sen To Chihiro No Kamikakuchi de MIYAZAKI, et Hohokekyo Tonari No Yamada-kun de TAKAHATA. On pourrait penser que puisque Disney ne peut pas toucher aux oeuvres finies, il veuille entrer par la porte de derrière en imposant ses choix comme producteur du film, mais la direction du Studio Ghibli est assez lucide pour laisser Disney rester à plus ou moins 10% dans le budget des oeuvres produites, afin de garder toute liberté artistique. Et puis il faut bien avouer que sans cet accord, nous n’aurions pas la chance de voir des dessins animés comme Tenku No Shiro Laputa ou Sen To Chihiro No Kamikakushi au cinéma et ensuite distribué en DVD.

Dix ans après la signature du contrat, le personnel de Ghibli dresse un bilan très positif de l’accord Tokuma-Disney, malgré les quelques accrocs retardant les sorties étrangères. La France est particulièrement gâtée avec les sorties de Mononoke, des Yamada, de Chihiro et à terme toute les oeuvres du studio au moins en DVD et VHS dans la « Collection Studio Ghibli ».

Je profite de de ce blog pour remettre en ligne un site que j’avais fait sur le Studio Ghibli il y a maintenant un bail. Comme j’avais fait pas mal de recherches et que j’avais écrit pas mal d’articles, je me dis que c’est toujours mieux ici qu’entrain de dormir sur mon disque dur. C’est un peu comme pour la section « Dessin » qui réunit feu mon site dédié au arts graphiques.

Comme pour la section « Dessin », vous aurez le lien d’une table des matières en haut à droite de chaque billet afin de faciliter la navigation de ceux qui voudront lire l’intégralité des billets consacrés à ce fameux Studio et ses artistes.

Le Studio Ghibli a été fondé en 1986 par MIYAZAKI Hayao et TAKAHATA Isao, deux réalisateurs éminents, qui ont travaillé dans les plus grands studios japonais, comme TOEI Animation* qui est à l’origine de séries animées des plus fameuses en France, comme Albator 78 et 84 (Captain Harlock), Dragon Ball, ou encore Goldorak (U.F.O. Robot).
MIYAZAKI et TAKAHATA se connaissent depuis longtemps car ils ont trés souvent travaillé ensemble sur différents projets, dans des studios de production d’animation tout aussi différents. Mais la course de plus en plus effreinée à la rentabilité et à la productivité de ces studios, implique de rogner un peu plus sur la qualité de l’animation en réduisant le nombre de dessins, puis en sous-traitant l’encrage et la mise en couleur des cellulos (Appelés aussi Cellos). Tout ceci devient intolérable pour les deux hommes qui sont profondément attachés à offrir un spectacle de qualité au public.
De toutes ces contraintes reposant sur leurs épaules nait l’idée de créer leur propre studio de production, afin de pouvoir donner libre cours à leur imagination et à leur soucis de produire de beaux dessins animés.
MIYAZAKI qui est aussi auteur de bandes dessinées à ses heures, publie au début des années 80 dans le magasine Animage une histoire qui s’appelle Kaze No Tani No Nausicaa et elle s’impose bientôt comme un projet de long metrage d’animation, seulement voilà… Il faut trouver un studio qui accepte de le produire.

Kaze No Tani No Nausicaa : Nausicäa de la Vallée du Vent

MIYAZAKI demande alors à son vieil ami d’être le producteur de Nausicaa. TAKAHATA, lui, n’a jamais exercé un tel métier, pourtant une petite voix, mais surtout la conviction que ce film sera un grand film, le poussent à accepter ce poste. Il va donc démarcher différentes sociétés afin de trouver les effectifs pour commencer la réalisation de ce long métrage. C’est une connaissance de TAKAHATA, un transfuge de TOEI Animation*, qui va accepter de produire Nausicäa dans son petit studio : TopCraft.
TopCraft est ce qu’on peut appeler la pure origine du Studio Ghibli. En effet une fois que Nausicaa est produit, le film marche trés bien et rapporte de l’argent, alors le projet de Tenku No Shiro Laputa est mis en chantier. Malheureusement, le studio TopCraft connait de nombreux problèmes de personnel, et il devient impossible de pouvoir mener le projet à bien. TAKAHATA cherche alors de nouveau un studio qui pourra permettre de continuer et finaliser Laputa.

Tenku No Shiro No Laputa : Laputa, le château dans le ciel

Tokuma Shoten qui a financé la production de Nausicäa demande a s’associer avec MIYAZAKI et TAKAHATA à long terme afin de produire régulièrement des longs-métrages d’animation de qualité. Cette aubaine tombe a point nommé, et MIYAZAKI y voit une occasion de pouvoir faire ce qu’il veut sans pression de productivité ou contrainte de production. Le Studio Ghibli est né!
D’où vient d’ailleurs ce nom? C’est MIYAZAKI Hayao qui le lui a donné. En effet il est un passionné d’aviation, et ce terme en est issu, il signifie : Vent chaud du désert. Par cet idiôme italien MIYAZAKI voulait marquer sa volonté de donner un nouveau souffle à l’animation nipponne.
Les deux hommes sont alors possesseurs d’un outil qui va leur permettre d’aller au bout de leur passion pour l’animation, sans limites, ni contraintes. Une seule chose peut entraver cette idylle, et elle est de taille : Les productions qui seront estampillées « Studio Ghibli » seront condamnées au succés, c’est impératif pour pouvoir produire et réaliser le film suivant. Aujourd’hui, presque 20 ans aprés, le succés des productions Ghibli ne s’est jamais démenti.

Le premier film sorti sous l’estampille ‘Studio Ghibli’ c’est Tenku No Shiro Laputa. Le succés est au rendez-vous. MIYAZAKI a déjà une certaine notoriété dans le milieu de l’animation, Laputa obtient un joli succès d’estime avec 775 000 entrées.

Tonari No Totoro : Mon voisin Totoro

Le Studio réinvestit la totalité des bénéfices générés de suite dans deux nouveaux projets: Tonari No Totoro réalisé par MIYAZAKI et Hotaru No Haka réalisé par TAKAHATA. Le jeune studio doit donc partager ses effectifs sur ces deux projets en simultané. Déjà les prémisces d’un problème d’espace se font ressentir : Les locaux sont trop exigus pour les deux monstres de talent que sont MIYAZAKI et TAKAHATA. Pourtant en 1988 sortent les deux projets qui rencontrent un succés mitigé. Pourtant ces deux films deviendront les films cultes que nous connaissons aujourd’hui, réalisant de véritables moissons de récompenses dans les festivals internationaux. Ils deviendront même les symboles du studio, et cela deviendra d’autant plus vrai que Totoro devient l’emblème de Ghibli.

Hotaru No Haka : Le tombeau des lucioles

Le succès relatif de ces deux sorties permet tout de même au studio et à MIYAZAKI de mettre en chantier un nouveau projet : Majo No Takkyûbin. Ce film sort en 1989, et c’est un énorme succès! Le film fait un carton et ce ne sont rien moins que 2 640 000 personnes qui le verront et ce, rien qu’au Japon.

Majo No Takkyûbin : Kiki's delivery service

La manne providentielle que génère ce succés permet à MIYAZAKI de poser ses jalons réellement dans le studio, c’est-à-dire qu’il embauche des personne à temps plein et réduit les emplois intérimaires ce qui lui permet d’avoir une véritable équipe à disposition. De plus, le studio peut créer également une école d’apprentissage de dessin et d’animation qui forme de jeunes talents a ces professions.

Omohide Poro Poro : Mes souvenirs goutte à goutte

En 1991 sort aprés deux ans de production, le magnifique Omohide Poro Poro réalisé par TAKAHATA. Ce film est un énorme succés et rapporte encore de l’argent au Studio, qui peut ainsi redémarrer de suite un nouveau projet mené par MIYAZAKI et qui se nomme Kureina No Buta. Mais le long développement qu’a necessité Poro Poro a laissé des traces dans le personnel, ce qui donne pour résultat de laisser MIYAZAKI démarrer seul ce nouveau long-métrage. Le réalisateur endosse donc également la tenue d’assistant-réalisateur ainsi que celle de producteur!

Kurenai No Buta : Porco Rosso

Cela fait apparaître les limites des locaux qu’ils occupent qui deviennent chaque jours un peui plus inadaptés au travail qui doit être fourni par le staff du studio. MIYAZAKI propose alors le projet pharaonique à l’échelle du jeune studio, de faire construire un bâtiment capable d’accueillir les impératifs de productions que serait amené a rencontrer le studio. La Tokuma décide de financer le projet, et MIYAZAKI-le-touche-à-tout s’investit énormément dans la conception architecturale de l’endroit. Il le veut aéré, transparent, baigné par la lumière, et noyé par la nature. Il contrôle les matériaux employés, l’avancement des travaux, et en parallèle de tout ca, il continue de développer Kurenai No Buta!

En 1992 sort Kureina No Buta qui remporte un vif succès auprés du public. Dans le même temps le staff Ghibli essuie les plâtres de leur nouveau studio. Sur plus de 300 m² et trois étages, ce sont désormais plus de 100 personnes qui y travaillent tous les jours à Koganei dans la banlieue de Tokyo. Six ans aprés la fondation, le studio Ghibli se porte à merveille et a déjà sorti 6 Longs-metrages!

Heisei Tanuki Gassen Pompoko

1993 marque un tournant certain dans la maniere dont travaille le studio Ghibli. En effet, il s’équipe de materiel informatique comme des caméras pilotées par ordinateurs qui facilitent les prises de vues. Et la volonté afichée est bien d’informatisé tout ce qui peut l’être sans perte de qualité pour les projets. Cela n’empêche aucunement la patte de Ghibli de transparaître à l’écran.

Mimi O Sumaseba : Au creux de l'oreille

En 1994 TAKAHATA sort Heisei Tanuki Gassen Pompoko, qui a la particularité d’être le premier film du studio a comporté des sequence réalisées en images de synthèse. Ils seront suivi de films comme Mimi O Sumaseba et le clip musical du groupe Chage & Aska « On Your Marks » qui utiliseront de plus en plus l’animation assistée par ordinateur.

On Your Marks de Chage & Asuka

En 1995 Mononoke Hime, prouvera au monde de l’animation ainsi qu’aux puristes les bienfaits de l’utilisation de l’ordinateur afin de rendre les animation plus fines, plus souples, gérer au mieux les couleurs en appliquant un etalonnage numerique etc… Et au final, le film en sort au mieux de ce qu’il peut donner au spectateur.

Mononoke Hime : Princesse Mononoke

En 2001 TAKAHATA poussera même l’utilisation de l’ordinateur à son paroxysme avec son dernier film Hohokekyo Tonari No Yamada-kun où la quasi totalité du film aura été réalisée grâce à l’ordinateur. Le studio a communiqué sur le fait que les celulos seraient de plus en plus rare au sein d’une production.

Hohokekyo Tonari No Yamada-kun : Mes voisins les Yamada

Aprés Hohokekyo Tonari No Yamada-kun, TAKAHATA Isao a décidé de quitter le Studio Ghibli, afin de prendre son indépendance. Il met ainsi fin à l’alternance de ses productions avec celles de son ami MIYAZAKI Hayao.
En juillet 2001, sort au Japon le nouveau film de Miyazaki : Sen to Chihiro no kamikakushi. Pourtant, le réalisateur avait annoncé à la sortie de Mononoke Hime que, vieillissant, il ne se sentait plus capable de se lancer, une fois encore, dans une expérience aussi longue et pénible. Il est pourtant revenu sur sa décision, mais cette fois, il a consenti à déléguer une grande partie du travail qu’il réalisait habituellement. MIYAZAKI prévoit la réalisation d’encore trois longs métrages avant que lui et le président SUZUKI Toshio ne prennent leur retraite. Le premier des trois films est prévu pour 2004 au Japon.

Sen To Chihiro No Kamikakushi : Le Voyage de Chihiro

Sen To Chihiro No Kamikakushi est le plus gros carton au box office mondial depuis que le Studio a été créé. Il a permis d’engranger 30 Milliards de Yens! 23 Millions de personnes ont vu ce film au Japon.

Depuis 1999, deux nouveaux bâtiments ont été construits, preuve que le studio ne cesse de se développer (il faut savoir que ce genre de travaux d’extension est très cher au Japon). Cet élargissement des locaux ne découle pas seulement d’une augmentation des effectifs mais aussi et surtout de l’informatisation du studio, le matériel informatique prenant beaucoup de place.

De son coté Miyazaki s’était déjà fait construire son propre petit studio, une maison tout en bois à coté du studio principal, qu’il a nommée Butaya (la maison du cochon!). Selon ses propres termes, elle devait lui servir de « maison de retraite », car en janvier 1998, quelques jours avant le décès tragique de Yoshifumi Kondô, Miyazaki s’était retiré officiellement du studio… pour revenir un an plus tard.

Neko No Ongaeshi : Le royaume des chats

En 2001 est inauguré le Ghibli Museum dans le parc Inokashira dans la proche banlieue de Tokyo. Le Studio lui même s’aggrandit et commence à pouvoir produire d’autre films que ceux des deux maîtres fondateurs, comme Neko No Ongaeshi de NORITA Hiroyuki, moyen-metrage qui sort au courant de l’été 2002 avec en première partie le court-metrage ‘The Ghiblies’ autoparodie du staff du studio.

La Toei Animation

Les locaux de la Toei

TOEI Animation Co., Ltd fût créé en 1956, mais sa reelle naissance remonte à 1948, date à laquelle Japan Animation Co., Ltd fusionna avec la compagnie TOEI, Ltd. Le studio actuel fut construit dans le quartier Higashi Oizumi à Tokyo à la fin de l’année 1956. Le studio commenc& à produire des dessins animés en 1957, et c’est en 1958 que le public put découvrir sa première réalisation : Le Serpent Blanc. Ce film gagna nombre de prix dans differents festivals internationaux. Depuis cette date, TOEI Animation fut considéré comme le leader de l’animation au Japon. Mais sa renommée et son savoir-faire franchit les frontieres du pays, car le studio réalisa nombre de films ou de séries pour plusieurs pays à travers le monde.
Ce studio a produit un grand nombre de séries télé qui ne sont pas inconnues en France et sui sont même pour certaines d’entr’elles encore diffusées. Parmi ces séries il y a eu : Dragon Ball, Dragon Ball Z, Saint Seya (Les Chevaliers du Zodiaque), Hokuto No Ken (Ken le Survivant), Sailormoon etc..
Aujourd’hui le studio produit entre 5 et 6 séries télé de 30 minutes par semaine et un long-métrage tous les 1 ou 2 ans. En plus de tout cela il fabrique également les « Specials » de ses séries télé, ainsi que des moyen-métrages pour le « TOEI Animation Festival. Ce festival se tient deux fois par an pendant les vacances scolaires et présente les épisodes spéciaux des séries en cours de diffusion.
Le studio compte en permanence entre 200 et 250 personnes qui travaillent sur les différentes séries du moments. Pour quasiment toutes les séries télé, le studio sous-traite une partie du travail avec de petits studio indépendants. Ce qui amène un total de 50 à 100 personnes impliquées sur chaque séries TV. La TOEI travaille également avec des studios basés à l’étranger.

Soeur Marie-Thérèse des Batignolles - Tous droits réservés Editions Audie - Fluide Glacial, publié avec l'aimable autorisation de l'auteur.

Voici venir un nouveau billet consacré à un artiste que je connais et apprécie depuis un bon moment maintenant. Il s’agit de Maëster. J’ai découvert ce dessinateur et caricaturiste fantasque avec la série Athanagor Würlitzer, Obsédé Sexuel il y a maintenant Pfouuh! plus de quinze ans (Cela ne nous rajeunit pas tout ça!) quand je hantais les rayons BD du Furet du Nord de ma ville.

Athanagor Würlitzer, Obsédé Sexuel - Tous droits réservés Editions Audie - Fluide Glacial, publié avec l'aimable autorisation de l'auteur.

Maëster est né en 1959 en Algérie, enfant il dévore des revues cultes comme Spirou, Tintin, Pilote et intégre ainsi les bases de son dessin. En effet, il est un dessinateur autodidacte et se forge un style en s’inspirant de Gotlib, Uderzo, Franquin etc. C’est également un féru de caricatures et il en apprend les bases en observant le travail de Solé, Alexis et Mulatier, d’ailleurs ce goût pour la caricature transparaïtra dans ce qu’il publiera plus tard. Comme beaucoup d’artistes, Maëster n’est pas doué pour les études, ou tout au moins ne s’y intéresse pas suffisamment pour y exceller, lui ce qu’il préfère c’est dessiner. Mais bien sûr, le dessin seul ne nourrit pas son homme et il va faire de nombreux petits boulots et même connaître le chômage.

Maëster par lui-même - Tous droits réservés, publié avec l'aimable autorisation de l'auteur.

Il entre dans le célèbre magasine d’Umour et de Bandes Dessinées, Fluide Glacial fondé par le non moins célèbre Gotlib en 1982 et en devient l’un des auteurs principaux. Et en 1986 sort sa première publication issue de son travail au sein de la revue, c’est « …Et boules de gomme ».

Soeur Marie-Thérèse des Batignolles - Tous droits réservés Editions Audie - Fluide Glacial, publié avec l'aimable autorisation de l'auteur.

Puis nait sous sa plume, la grande, que dis-je? L’énôôrme Soeur Marie-Thérèse des Batignolles . Imaginez une nonne qui picolle du gros rouge, qui ne crache pas sur un bon joint, qui distribue des pains (dans la g…) de manière chrétienne et qui, pour couronner le tout est mariée à un portugais nommé Jésus!! Eh bien voilà! Je crois que je vous ai bien planté le personnage alors imaginez les aventures! C’est tout bonnement du délire made in Maëster et autour de Soeur Marie-Thérèse gravite toute une galerie de personnages aussi fantasques les uns que les autres.

Soeur Marie-Thérèse des Batignolles - Tous droits réservés Editions Audie - Fluide Glacial, publié avec l'aimable autorisation de l'auteur.

Je vous ai présenté ici les plus gros hits du monsieur, il a fait d’autres choses comme la série des Meurtres Fatals… ou encore des one-shots comme Maëster & Boule de Gomme ou Cuvée Maësteretc. Toute librairie de bandes dessinées qui se respecte a ou peut vous avoir tous ces albums.

Le blog de Maëster

Même s’il se qualifie volontiers de « tanche » en informatique et qu’il ne colorise pas ses planches ou ses illustrations à l’ordinateur, préférant la bonne vieille technique du pinceau et des couleurs, Maëster fait pourtant un bout de chemin sur le web en animant régulièrement son blog. Il a modestement intitulé son blog « Les aventures de Maëster sur le web » et gageons qu’au début cela a dû être une véritable aventure pour lui, n’étant pas familier de tout ça.

Hommage à Devos - Tous droits réservés, publié avec l'aimable autorisation de l'auteur

On y trouve tout ce qu’on trouve sur ce genre de blogs, dits Blog-BD, à savoir des infos sur son avancement du tome 6 de Soeur Marie-Thérèse, il publie des bouts de planches, de recherches etc. Mais aussi, au travers de son talent de caricaturiste il donne son avis sur le monde et l’actualité. Ainsi il commente l’actualité et comme toujours place toujours un ou des jeux de mots bien sentis, des liens qui sont eux-mêmes tordants reliés à son billet etc. Son blog marche même tellement bien qu’il va reprendre certaines des caricatures qui y sont présentes pour sortir un album appelé « L’Actu Tue ». Au niveau de la fréquence de publication de billet c’est trés trés honorable, Maëster poste entre 10 et 15 billets par mois (Bon d’accord, plus souvent 10, mais c’est un boulot dessinateur, (contrairement à ce que beaucoup de monde pense).

Vous trouverez son blog ici : http://maester.over-blog.com/

Voici un artiste que j’aime beaucoup et ce, pour plusieurs raisons. Déjà il a énormément d’humour (son blog est un bijou pour ça), il dessine superbement (malgré que lui ne le pense pas) et il fait le métier que j’aurais aimé faire, il est auteur de bande dessinée.

Boulet est un auteur de BD né en 1975 et faisant partie de ce qu’on a appelé la « nouvelle vague de la BD », il a obtenu un bac d’Arts Plastiques puis a logiquement intégré l’école des Beaux Arts de Dijon ou il a solidifié ses acquis en dessin. Aprés cela, il a intégré les Arts Déco de Strasbourg et à cette époque également, pour se faire un peu d’argent, il a commencé à démarcher les éditeurs. A la même époque (1998), il participe à un concours de BD au festival de Sierre, il y finit troisième ce qui lui donne l’occasion d’être remarqué par Jean-Claude Camano, responsable éditorial de la branche jeunesse chez Glénat ainsi que du magasine Tchô! (du même éditeur). Quelques mois plus tard, Boulet intègre l’équipe du magasine et va vite devenir un dessinateur récurent au fil des pages. Il y dessine notamment « La Rubrique Scientifique », une sorte de « Rubrique-à-Brac » (de Gotlib, dans Pilote) animée par deux enfants, Prof et Mademoiselle Agnès, ils y réalisent des expériences avec un point de vue totalement naïf totalement partagé par l’auteur (Cette rubrique marche tellement bien qu’elle est publiée en albums, deux tomes à ce jour).

Boulet dessine dans Tchô! certes, mais il fait aussi des albums de BD. Il est à la tête de Raghnarok en tant que scénariste, dessinateur et coloriste (Parfaitement!), il s’agit des aventures d’un bébé dragon et de sa mère avec une galerie de personnages comme Roxanne la petite barbare, ou encore la fée Najette, le tout ne se prenant pas au sérieux et même si la bd s’adresse aux plus jeunes, les plus vieux riront bien aux gags en une planche des albums. Il est également scénariste de Womoks, le dessin et la couleur étant assurés par Reno. Des super soldats du futurs gaffeurs et revêches ça vous tente? C’est dans Womoks!! Enfin, il a commencé à travailler également sur la série Donjon Zénith à partir du tome 5 en tant que dessinateur aux côtés de Lewis Trondheim (dessin/scénario) et Sfar Johann(scénario).

Je ne pouvais pas finir ce billet sur Boulet sans parler de Bouletcorp.com. BouletCorp est le blog de Boulet, vous y trouverez nombres de petites BD qui racontent sa vie au quotidien, ce qui l’a marqué en prenant le métro hier, ce qu’il vit lors des séances de dédicaces en festival etc… Le tout traité avec toujours énormément d’humour mais aussi de sensibilité. Il poste environ une petite dizaine de BD par mois et le cas échéant, si lui n’est pas là, ses amis se chargent de poster des billets pendant son absence. Il faut savoir enfin qu’il a lancé une version anglaise de son blog en 2009 où il reprend toutes ces notes mais traduites en anglais, voici l’adresse : http://www.bouletcorp.com/blogen/ Chose marrante, il fait évoluer le blog exactement de la même manière que le français autant dans la publication des notes que dans l’évolution du design.

Voici quelques liens avec des interviews de l’ami Boulet :

• http://www.moveandbe.com/article_interview_boulet_1.htm
• http://www.sceneario.com/sceneario_interview_BOULE.html
• http://www.festival-blogs-bd.com/2005/08/interview_dak_b.html

Alex Ross

Je vous présente aujourd’hui un illustrateur fort talentueux qui sévit dans le milieu des comics américains : Alex Ross.

Alex Ross est né en Oregon à Portland et a grandit au Texas dans la ville de Lubbock. A 17 ans il intègre la Chicago’s American Academy of Art, c’est dans cette école qu’il fera ses gammes de dessinateur en étudiant l’histoire de l’Art ainsi que l’oeuvre de prestigieux peintres surréalistes comme Salvador Dali. Il s’oriente vers les comics et en 1993 il dessine ‘Marvels’ pour Marvel Comics où il montre les super héros du point de vue d’un homme ordinaire. Même si décriée, cette BD montre à tout le monde le formidable potentiel de Ross pour faire des comics dans un style hyper réaliste. Un peu plus tard il signe une oeuvre majeure, ‘Kingdom Come’, qui met en scène un ministre qui doit éviter une guerre civile entre les super héros.

En 1998 il est approché par la Warner Bros afin qu’il réalise toute une série d’illustrations qui célèbrent l’anniversaire des 60 ans de Superman, Batman, Captain Marvel et Wonder Woman. A cette époque il crée également quatre illustrations originales pour le célèbre TV Guide afin de promouvoir la série ‘SmallVille’.

Aujourd’hui encore les demandes de travail pleuvent, il a ainsi travaillé sur le design des films de Spiderman I & II.

Voici quelques-uns de ses travaux :

Une couverture pour le magazine 'The Village Voice Cover'

Illustration du comics 'Kingdom Come'

Illustration du Joker

Alex Ross possède un site où vous pourrez retrouver énormément de ses travaux, et vous tenir au courant de ce qu’il fait ou compte faire. Il s’agit de http://www.alexrossart.com Voilà ^^ Alex Ross est un artiste que j’apprécie car il a une véritable maîtrise de son art et que ses illustrations sont toutes plus belles les unes que les autres.

H. R. Giger

Voici un artiste qui est plutôt hors normes. Peut-être ne connaissez-vous pas son nom, pourtant, je suis sûr que vous connaissez certaines de ses oeuvres, il s’agit de H.R. Giger.

H. R. Giger est né en Suisse à Chur en 1940 au sein d’une famille de chimistes. Il se rend à Zurich en 1962 où il étudie l’architecture et le design industriel à l’Ecole d’Arts Appliqués. En 1964 il commence à créer ses premiers tableaux, il s’agit pour la plupart de dessin à l’encre et de peintures à l’huile. Il expose pour la première fois en 1966, exposition suivie de la première édition d’un de ses posters, diffusé au niveau mondial en 1969. Quelques temps aprés, il découvre l’aérographe et en même temps développe son style si particulier en peignant ses cauchemars biomécaniques trés surréalistes.

Biomechanical Landscape

En 1977, Giger publie Necronomicon et les peintures qui y figurent impressionnent le réalisateur Ridley Scott. Ce dernier fera appel à Giger pour développer le design de la bestiole dans Alien 1, il fera un tel travail que cela lui vaudra l’oscar des meilleurs effets visuels. Il colaborera dorénavant assez souvent avec le milieu du cinéma; il a travaillé entr’autres sur Poltergeist, Alien 3, La Mutante… Il a travaillé aussi sur les jeux vidéos DarkSeed 1 & 2. En 1998, un musée consacré au travail de Giger est inauguré dans le château St Germain dans la ville Suisse de Gruyères. On y trouve le travail des artistes les plus proéminents dans le domaine du design cinématographique des années 60 à nos jours et bien sûr, les oeuvres de Giger lui-même.

Necronomicon

Alors vous l’avez vu, si Giger est si connu c’est parce qu’il a créé la créature d’Alien. Mais toute son oeuvre est des plus noire, morbide, bizarre. Ce qu’il faut savoir c’est qu’il jette sur la toile le résultat de ce qu’il a rêvé, Giger est donc quelqu’un de particulier, voire inquiétant, mais il faut reconnaître une chose, c’est que ses toiles sont vraiment impressionnantes (dans le sens qu’elles impressionnent le lecteur) par la force de l’atmosphère, du sujet etc… Perso, j’aime beaucoup ce qu’il fait, c’est grâce à un prof de dessin qui m’avait prêté le ‘Necronomicon’ que j’ai découvert l’univers si particulier de ce peintre.

Le Vaisseau alien de Alien

Voici quelques liens qui vous permettront de découvrir l’oeuvre de H. R. Giger qui n’est pas uniquement le créateur de l’Alien, loin s’en faut!

• http://www.hrgiger.com/ Le site officiel de Giger
• http://sfstory.free.fr/films/giger.html Une bio en français de Giger avec les dates clefs.

Philippe Ramette

Il s’agit de Philippe Ramette, peut-être certains d’entre vous le connaissent mais ce n’était pas mon cas. Cela dit je suis loin d’être une référence en matière d’art, je suis même trés inculte sur le sujet (Mais je me soigne, un petit peu tous les jours ^^). Cet artiste est né en 1961 à Auxerre, il se définit principalement comme un sculpteur, mais il s’est pris de passion également pour la photographie et se met souvent pour ne pas dire toujours en scène dans ses oeuvres. L’originalité de Ramette est le fait de développer un cheminement de pensée au travers de ses oeuvres (comme tous les artistes me direz-vous) mais d’essayer d’appliquer ces réflexions à la réalité au travers d’objets tangibles. Ainsi a-t-il développé des prothèses qui sont le prétexte à réflexion comme par exemple L’Objet à voir le chemin parcouru, 1991-2003

Objet à voir le temps parcouru, 1991-2003

Puis Ramette a commencé, grâce à la photographie, à jouer avec les perspectives, les cadrages etc. pour imprimer un renouveau dans la manière de voir les choses et ainsi proposer au lecteur d’élargir sa pensée. Et ces photographies très originales, il les met en scène, là aussi, avec ses prothèses, sauf qu’elle ne sont pas visibles et donnent un effet encore plus fort. Voici quelques photographies qui bouleversent le sens commun :

Balcon 1 - Bionnay - 1996

Balcon 2 - Hong Kong - 2001

Contemplation Irrationnelle - 2003

Voilà! Quelques informations sur cet artiste qui a su me séduire par son approche de la mise en situation de ses photographies et qui a une démarche artistique qui me touche. Je vous invite à suivre ces quelques liens qui m’ont permis de faire cet article et qui comme pour moi, vous en apprendront beaucoup sur cet artiste atypique et vous pourrez voir d’autres oeuvres tout aussi ébouriffantes.

http://www.artistes-en-dialogue.org/raph01gb.htm
http://www.exporevue.com/magazine/fr/ramette.html
http://www.creativtv.net/v2/adiaf04/ramette.html
http://www.xippas.com/fr/artiste/philippe_ramette/oeuvres